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Charlie Parker & Dizzy Gillepsie: Groovin' High

 

Track: Groovin' High

 

Artist: Charlie Parker (alto sax) and Dizzy Gillespie (trumpet)

 

CD: Diz 'n' Bird at Carnegie Hall (Blue Note 57061)

 

Musicians: Charlie Parker (alto sax), Dizzy Gillespie (trumpet), John Lewis (piano), Al McKibbon (bass), Joe Harris (drums).

Composed by Dizzy Gillespie.

 

Recorded: Carnegie Hall, New York,

September 29, 1947

 

Parker was on fire during this concert, in top form. The rhythm section was not the greatest, but Bird was soaring. This is not the most creative of the Parker recordings I've heard (it's certainly no slouch), but it is very refined playing on par with his famous strings version of "Just Friends." From what I read, they brought Bird on stage for this quintet concert, which was sandwiched between two sets of Dizzy's big band.

 

I dig this 1947 Carnegie Hall concert more than the May 15, 1953 Massey Hall concert in Toronto, where the musicians were distracted—they were running across the street between solos to check out the ongoing heavyweight championship fight in Chicago between Rocky Marciano and Jersey Joe Walcott (Marciano won by first round knockout)! Also, I always felt Mingus ruined the recording with the bass overdubs he did later—the bass is way too loud and playing on top of the beat.

 

Parker's incredible time feel is on display from the moment he takes his break. He swings hard, even more evident here because during these four measures he is playing unaccompanied. The song begins in Eb major, but just before Bird's solo the music modulates during an interlude to Db major, then, after a second interlude, back again to Eb major for Dizzy's solo. Yard's solo break contains a classic example of what I call cutting corners, where Bird takes this one path, then, beginning with his characteristic rhythmic vocal-like sigh just after the 8th beat of the break, moves briefly into a harmonic path in the area of Amin6, before falling back into the subdominant Gb major (of Db major). In this case the melody that he plays is more melodic voice-leading than harmonic, as Bird's melodic trajectory is aimed towards the high F and Ab, both pitches that have a dominant function from a melodic perspective in the key of Db major. So functionally this final phrase is a subdominant-to-dominant progression.

 

 

Parker's solo break on "Groovin' High":

 

 

 

For the next three choruses, Parker gives a clinic on economy, telling his story with a compact approach, getting right to the point. His musical sentences are perfectly balanced without being predictable; he was a master of intuitive form. But what I want to discuss here is the loose precision that is demonstrated, a kind of playing that is extremely relaxed and variable and yet at the same time extremely detailed. This kind of laid-back, behind-the-beat, loose accuracy seems to have been the norm with players like Art Tatum, Don Byas, Bird and Bud Powell—in Chicago we used to call it the beginner-professional sound. The expression of rhythms and modes is so precise that repeated detailed listening is like reading an advanced music theory text, only a text that reveals more on each reading, and the words are in motion on top of it! In this sense it's like the oral storytelling traditions, but here the information is encoded in musical symbolism. For this reason, I've always felt that this music really was telling stories, on many different levels.

 

 

Reviewer: Steve Coleman

 

Charlie Parker & Dizzy Gillepsie: Groovin' High

 

Track: Groovin' High

 

Artist: Charlie Parker (alto sax) and Dizzy Gillespie (trumpet)

 

CD: Diz 'n' Bird at Carnegie Hall (Blue Note 57061)

 

Musicians: Charlie Parker (alto sax), Dizzy Gillespie (trumpet), John Lewis (piano), Al McKibbon (bass), Joe Harris (drums).

Composed by Dizzy Gillespie.

 

Recorded: Carnegie Hall, New York, September 29, 1947

 

 

Parker war während dieses Konzerts voller Feuer, in Top-Form. Die Rhythmusgruppe war nicht die großartigste, aber Bird war hochfliegend. Dies ist nicht die kreativste von Parkers Aufnahmen, die ich gehört habe (auch gewiss keine Schlappe), aber sie enthält sehr verfeinertes Spiel auf einer Stufe mit seiner berühmten Geigen-Version von „Just Friends”. Nach dem, was ich gelesen habe, brachten sie Bird für dieses Quintett-Konzert auf die Bühne, das zwischen zwei Sets von Dizzys Big-Band eingeschoben wurde.

 

Ich mag dieses Carnegie-Hall-Konzert aus 1947 mehr als das Massey-Hall-Konzert in Toronto vom 15. Mai 1953, wo die Musiker abgelenkt waren – sie liefen zwischen den Soli über die Straße, um den laufenden Schwergewichts-Box-Kampf zwischen Rocky Marciano und Jersey Joe Walcott mitzubekommen (Marciano gewann durch ein Knock-out in der ersten Runde)! Ich fand auch immer, dass Mingus die Aufnahme durch die späteren Bass-Overdubs ruiniert hat – der Bass ist viel zu laut und spielt [on top of the beat; zu akkurat auf dem Beat].

 

Parkers unglaubliches Zeit-Gefühl ist von dem Moment an, in dem er seinen Break beginnt, offensichtlich. Er swingt hart, hier sogar noch offensichtlicher, weil er während dieser 4 Takte unbegleitet spielt. Der Song beginnt in Es-Dur, aber unmittelbar vor Birds Solo moduliert die Musik in einem Zwischenstück zu Des-Dur und dann nach einem zweiten Zwischenstück wieder zurück zu Es-Dur für Dizzys Solo. Yards Solo-Break enthält ein klassisches Beispiel für das, was ich „scharfe Ecken“ nenne: Bird nimmt diesen einen Pfad und wechselt dann – beginnend mit seinem charakteristischen rhythmischen stimm-ähnlichen Seufzer direkt nach dem 8. Beat des Breaks – kurz in einen harmonischen Pfad im Bereich von A-Moll-6, bevor er zurück in die Subdominante Ges-Dur (von Des-Dur) fällt. In diesem Fall ist die Melodie, die er spielt, mehr eine melodische Stimmführung als harmonisch, denn Birds melodische Flugbahn ist zum hohen F und As hin gezielt, beides Tonhöhen, die aus einer melodischen Perspektive eine dominante Funktion in der Tonart Des-Dur haben. Diese abschließende Phrase ist funktionell also eine Subdominante-zu-Dominante-  Fortschreitung.

 

Parkers Solo-Break von „Groovin‘ High“:

 

 

In den nächsten drei Chorussen hält Parker einen Workshop ab über Ökonomie, das Erzählen seiner Geschichte in einer komprimierten Vorgangsweise und wie man genau auf den Punkt kommt. Seine musikalischen Sätze sind perfekt ausbalanciert, ohne vorhersehbar zu sein. Er war ein Meister der intuitiven Form. Aber was ich hier diskutieren möchte, ist die lockere Präzision, die hier demonstriert wird, eine Art des Spielens, die extrem entspannt und variable und doch zugleich extrem detailliert ist. Diese Art des Zurück-Gelehnten, Hinter-dem-Beat-Spielens, der lockeren Akkuratesse scheint bei Musikern wie Art Tatum, Don Byas und Bud Powell die Norm gewesen zu sein – in Chicago nannten wir das den Anfänger-Profi-Sound. Der Ausdruck der Rhythmen und Modi ist so präzise, dass wiederholtes, detailliertes Hören wie das Lesen eines anspruchsvollen Musik-Theorie-Textes ist – allerdings eines Textes, der bei jedem Lesen mehr offenbart, und die Worte sind außerdem in Bewegung! In diesem Sinne ist er wie die oralen Geschichten-Erzähl-Traditionen, jedoch sind die Informationen in musikalischer Symbolik verschlüsselt. Aus diesem Grund fand ich immer, dass diese Musik tatsächlich Geschichten erzählt, auf vielen verschiedenen Ebenen.

 

Rezensent: Steve Coleman

 

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